Ho vissuto la musica per tutta la vita e posso dire che un’esecuzione priva di qualsiasi riferimento a regole, tradizioni e criteri interpretativi condivisi può diventare caotica e povera di senso. Allo stesso modo, una musica che non conosce altro metro di giudizio se non la fedeltà letterale alla partitura o ai trattati storici rischia di perdere la sua vitalità più profonda.
La partitura, come la “lettera della legge”, è necessaria: dà forma, ordine, direzione. Ma è anche inevitabilmente fredda se viene trattata come un assoluto. Ogni volta che l’interpretazione musicale si riduce a un’aderenza meccanica a segni, indicazioni dinamiche e regole teoriche, si crea un clima di correttezza sterile che soffoca l’impulso creativo e la libertà espressiva dell’esecutore.
Nella pratica musicale contemporanea, un interprete che voglia realizzare qualcosa di autenticamente significativo deve spesso muoversi con eccessiva cautela: ogni scelta viene scrutinata, ogni libertà sospettata, ogni deviazione giustificata fino all’eccesso. La critica, la didattica accademica e talvolta anche la tradizione stessa diventano sistemi di controllo che rischiano di scoraggiare chi ha un’idea sonora personale, non convenzionale.
Così, man mano che l’esecuzione procede, l’interprete si sente obbligato a dimostrare che ogni gesto è “corretto”, ogni frase “autorizzata” dalla prassi o dal trattato. In questo modo, però, le interpretazioni più audaci, più visionarie, più profondamente artistiche faticano a emergere: vengono spesso frenate in nome della “fedeltà” o della “coerenza storica”.
E alla fine, paradossalmente, trionfa una sorta di mediocrità elegante: tecnicamente impeccabile, filologicamente difendibile, ma povera di rischio, di immaginazione e di quella verità viva che la musica dovrebbe invece cercare di rivelare.
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